在听安德拉斯·席夫的独奏音乐会前，我曾思考过一个问题，就是钢琴演奏艺术发展的百余年来，现今所讲究的演奏之道与以往区别何在？想起前不久在微博上，与几位好友玩起“听录音猜钢琴家”的游戏。几轮下来发现，老一辈钢琴家更容易被猜中，相反现代钢琴家经常会搞混。

　　在我看来，这并非偶然，因为以往的诸多钢琴家演奏自由，个性也鲜明可辨，他们在触键、音色、弹性速度等方面都仿佛有各自的独门秘籍。转折点发生在上世纪六十年代，意大利钢琴家波利尼一举成名，并把钢琴演绎的坐标指向了“标准化”，这股风潮最终成为当今琴坛的主流，而席夫是目前公认的顶尖钢琴家。所以在6月14日的上海音乐厅，能再一次听到他的现场演奏，我想更能从中解答开头所提出的疑问。

　　以往对席夫的评价，经常看到的是“中规中矩”、“演奏自然”、“触键干净”等这样的老字眼，如果真是这样，那成为大师似乎也太容易了些。但的确这是人们对他演奏的第一反应。跟以往与他同级别的大师相比，席夫并未注重在乐句的勾画上做文章，歌唱是朴实无华，音色上极为控制，毫无那种情绪被立马煽动的层次变化，更没有像霍洛维兹那样引爆钢琴上的戏剧点。这一切表面上的感官意识，他都用符合当代人审美的标准去演绎。

　　然而，席夫真正的大智慧在于为音乐建构。从本次音乐会的曲目上可以看出，他选择了结构性很强的作品，尤其像舒曼《大卫同盟舞曲》那样有些摸不着逻辑的复杂作品，席夫依然从中理出头绪，他对和声的递增、递减变化极为敏感，这有效地帮助了他更为自如掌握音乐的脉络。

　　除和声外，席夫对于节奏以及音乐发展的方向都有极为明确的意图，比如他演奏的贝多芬“热情”，末乐章明显偏慢，打了节拍才发现速度与第一乐章吻合，我想席夫一定觉得这个节奏至关重要，是某种抗争反击的暗示，就像“命运”交响曲的那种节奏一样。 在此速率下，声音的强弱，某些需要突出的重音，或声部，都是根据和声调性上的不同而改变。但他并不滥用音响，仿佛一直累积着能量，直至最后的高潮才全面释放出来。

　　在贝多芬另一首奏鸣曲“华德斯坦”中，席夫更是表现出自己建构大师的成熟面。整个三乐章一气呵成，他不纠缠于小乐句上的细节，音符之间做到了最自然的状态。尤其是末乐章，当很多人还在纠结这些乐句该如何去处理时，席夫早已站在了更高的位置去解析作品。他不屑于演奏出几句优美的线条，也不依赖于更多的音色变化，他的精妙之处在于高屋建瓴，不局限于音符细节，而是在句、段、乐章之间建立起稳固的构架，并服务于自己的演奏。这其实与以往的钢琴家能弹出不同想象力的音线、音色、音响同样的伟大。

　　无论是过去，现在，还是将来，音乐家们对于美的定义始终在改变。在以前，钢琴演奏更为外向自由，讲究浪漫随性。然而后来在“标准化”演绎风格影响下，鲜活的个性被杜绝，转向于作品内敛的剖析。很难判断哪种艺术更为高端，也很难判断真正所谓的“标准”定位在何处。但无论如何，席夫对于音乐的建构之路引领了当今琴坛。当晚，乐迷为他的演奏痴狂，席夫随着性子返场加演了九次，仅仅加演部分便演奏了近一个小时。