对演奏家来说，如何安排音乐会的曲目，几乎同演奏本身一样重要。5月，有两场别致的音乐会，演绎者和曲目安排都非常有意境。5月12日，歌唱家黄英携手法国钢琴家达尔贝托，在东方艺术中心演出法国与中国的艺术歌曲，也加入少许钢琴独奏作品。5月26日，大提琴家秦立巍则在上交音乐厅演出柯达伊的《大提琴无伴奏奏鸣曲》，并与钢琴家张小惠合作，演奏拉赫玛尼诺夫的奏鸣曲。

　　为何称这两场演出为有意境的演出？因为两位音乐家在曲目安排方面都下了很多功夫。这样的功夫，绝不是费心思博眼球的做法。时下，各种新颖的演出方式层出不穷，但在我看来，结果并不一定很吸引人。很多新的安排，比如结合多媒体，有时可能只是徒然显示新意。但这两场音乐会的共同新意，是音乐家从艺术的角度、从个人的追求而产生的。

　　我不仅聆听过黄英与秦立巍的表演，也对两位音乐家分别进行过访谈。我的感觉就是：独特之人，演出必有独特之处。黄英这次安排的艺术歌曲音乐会，无论怎么看都是一次不容易叫座的演出，曲目安排有种一意孤行的感觉，这让我很佩服。艺术歌曲这个题材本来就偏小众，黄英却还偏偏选择了福雷、德彪西等法国作曲家的歌曲，同时再搭配一些中国作曲家的作品。艺术歌曲特别讲求韵味，追求诗意的境界，通常也是根据诗歌来谱曲。奇妙之处就在于，真正杰出的艺术歌曲，并不是单纯的“音乐为歌词服务”，音乐本身不是从属性的，而是被提升至一个完全同诗歌内容等量齐观的层面，甚至在很多情况下，文字内容的品位，反倒及不上音乐，只是作曲家灵感驰骋的一个载体。

　　正是因为这种独特性，艺术歌曲的演唱是声乐艺术中一个很特别的门类。歌唱家对吐字的讲究，对韵味的把握，其重要性同音色、音量相比，有过之而无不及。因此很多歌剧大明星都不会涉足艺术歌曲，或单纯是偶尔玩玩票，因为他们在歌剧舞台上无往不利的High C、High F，或是凌厉的花腔技巧，在此派不上用场。上次我访谈黄英时，她即表示正准备专门去学习法国的艺术歌曲，黄英说，在声乐学习中，寻找不同的声乐指导至关重要，因为声乐指导正是帮助歌唱家深入地把握作品，除了唱念、分句的考究，还有更为整体、深层的韵味。黄英作为一位成名已久的歌唱家，依然如此努力地去学习并追求那套富有诗意的曲目，确实让人佩服。经过相当长时间的酝酿，她终于将这套曲目带到了听众的面前，搭配她一直热衷的中国音乐家的歌曲。

　　再来看秦立巍的音乐会，他选择了一首难度超高、规模超大的巨作，柯达伊的《无伴奏大提琴奏鸣曲》。该作的诞生，无论对于大提琴曲目，还是人们关于大提琴独奏的理解，都有一种划时代的影响。因为作品太难，现场演奏和唱片录音都不是很多。至少相对于该作的真实地位而言，不是很多。尽管此曲的技巧如此之难，柯达伊却并非单纯为了追求技巧突破而写。正相反，作曲家在此挥洒了无比浓烈的匈牙利民歌风格。

　　我原本很期待秦立巍进行一次“无伴奏之夜”，用这首奏鸣曲搭配巴赫无伴奏组曲。可当自己向他提出这一点时，他的回答倒让我有点吃惊。秦立巍说，自己过去演奏“全集音乐会”，一晚拉完贝多芬的五首奏鸣曲。演奏过程中，他也会自问：自己这样，究竟是为什么呢？也许拉完之后，别人都认为你很厉害，可今天能这么拉的人已经太多了。现在，秦立巍就深感安排演奏会的曲目，不是为了证明自己的能力，而是希望能够在这段时间里使听众充分领略原作的美，在其中暂时离开现实生活。如果他们离开音乐厅时，能够带走演奏中的一些韵味，那么就是演奏家的成功了。