近日，“安东尼·葛姆雷：静止中移动”展览在龙美术馆（西岸馆）举行。安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）以其雕塑、装置和公共艺术作品著称，旨在探索人体和空间关系。此次展览是艺术家在中国的首个重要展览，将展现并传达艺术家在过去40年间思考的核心主题：身体即空间，空间即物体。

　　1950年生于伦敦的安东尼·葛姆雷被称为英国的国宝级雕塑艺术家，他长期探索身体与空间的关系，以“身体雕塑”蜚声国际。他以公共雕塑《北方天使》闻名，随之，一系列遍布全球的公共艺术项目引发广泛关注，并于1994年获得了当代艺术领域最重要的奖项——透纳奖。

　　在葛姆雷看来，观众只有主动参与，才能让作品容纳更多的变体，每个变体产生各自的想法和价值。雕塑艺术的核心意义是一个催化剂，能够催化观众去做一些事情，去理解一个物品。艺术家要做的不是占领这个空间，而是让这个空间激活。

　　事实上，不仅雕塑艺术，任何一个艺术的核心，都应该在于让观众去思考。1917年，杜尚把一个从商店买来的男用小便池命名为《泉》，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出。2005年，他的小便池，被全球500位重要的艺术界权威人士评为：对艺术史影响最大的艺术作品。

　　“小便池”带来的最直接问题是：“什么是艺术？”如果“小便池”是艺术，还有什么不是艺术？如果没有什么不是艺术，那就什么都是艺术。如果什么都是艺术，也就意味着什么都不是艺术。如果什么都不是艺术，那么，艺术也就只剩下了对艺术本身所发出的质疑和追问。在业内人士看来，《泉》的意义在于将艺术与古董区分开来，技艺也不再成为影响艺术价值的决定性因素之一。你可以不喜欢一件艺术品，但是这件艺术品可以让你产生思考。

　　对于年轻艺术家，葛姆雷建议他们可以把作品做到房间、空间、街道……然后看会发生什么。事实上，当许多艺术家在乎自己的作品在什么美术馆展览，由什么画廊代理的时候，我们却可以看到葛姆雷在公共空间的尝试却越来越受到人们的关注。葛姆雷的雕塑重新审视了人的“身体”在空间中的呈现方式，并且更进一步地将雕塑、观众与空间的关系拓展到整个外部环境和自然。

　　同时，葛姆雷也表示，美术馆不光承担教育的功能，也同样是价值观产生的空间。美术馆是否能够孕育出未来可能产生的艺术语境？同样也对美术馆和艺术机构提出了与传统不一样的要求。

　　从上世纪60年代开始，在欧美就产生了“参与性艺术的浪潮”，强调实现多样关系、合作、互动和社会介入。约瑟夫·博伊斯曾经提出过“社会雕塑”概念，在个人自主实践外，将其他参与者的感受、思想纳入作品中，使艺术作品从某种物质形态介入社会层面，即参与者也成为作品的一部分，从而拓宽了作品的边界，这也是契合了他的著名理论“人人都是艺术家”。而他提出的“让社会有机体成为一件艺术品”的口号，是关系艺术和参与性创作的来源之一。

　　身体即空间，空间即物体。此次在沪展览的真正的主角是每一个观众，他们所经历与体验的过程，才是这个展览真正重要的意义所在。