作为中华艺术宫开馆以来最重量级的一场大展，《米勒、库尔贝和法国自然主义：巴黎奥赛博物馆珍藏》早已未展先热。此次奥赛博物馆“大出血”，提供给上海如此众多、如此珍贵的精品之作，我们又该怎样接收这来自法国的艺术大礼呢？

　　让时间带路  展现历史中的法兰西

　　作为法国三大博物馆中代表着近现代成就的奥赛博物馆，选择将这次的大展“托付”给同样定位为中国近现代艺术中心的中华艺术宫，是想通过这次的展出，将20世纪中国、法国的艺术史进行对比，通过展现艺术史的发展，反映法国19世纪法国科技、政治、经济等各方面的变化。

　　因此，展会的八个章节将展厅隔成八个部分，按照时间的顺序，从法国自然主义萌芽、关键转折、写实主义的发展，到题材内容的变化影响，完整地展现了不断变革的19世纪末20世纪初的法国绘画艺术。一进展厅，特鲁瓦的《清晨去劳作的牛》即刻展现在眼前，引领着参观者走进自然主义的世界；紧接着，米勒的专题让人仿佛置身于田园间，处处可见农民们忙碌地劳作着，三位低头拾穗的妇女令人记忆犹新；从写实主义过渡到自然主义时，似乎能从勒帕热《干草》毫不造作的画面中感受到更多的力量；进入“画家‘梦蝶’”区块，一幅幅生动的肖像画展现了当时社会各个阶层的人物，传统和创新的技法在画中完美糅合；以“孩童”为主题的隔区中，集中展示了孩童这一群体的画作，反映了当时儿童地位的提升；作为收尾，“苍生疾苦振臂一呼”章节展现的是突破与创新，在这里，参观者跳离了“农村”、“郊野”，看到了自然主义艺术家们在社会变革中沉重的身影。

　　请专家解疑  借《拾穗者》学会欣赏

　　针对这次展出，奥赛博物馆国际交流部主任以《拾穗者》为切入点，点出了法国自然主义的魅力所在。

　　问：是什么令《拾穗者》(作品见本报12日头版)可以成为镇馆之宝，它具有什么样的价值?

　　答：这幅画创作于1848年，当时的法国有50%的人口是农民，许多人由于工业发展被迫进入城市工作，因此当时的人们希望看到一些有关田园的题材；当然作品的技巧也很关键，两者的结合正适应了时代的需要。由于这幅画是独一无二的无价之宝，它并不允许被买卖，因此无法估量画作金钱上的价值，唯一可以告诉你们的是，这幅画是独自乘坐包机来的，没有和其他作品一起，就是怕遇到事故的时候损失太大。

　　问：作为一名不具备专业知识的参观者，可以从哪些角度欣赏这样的名作?

　　答：首先，如果从技法的角度，我们可以看到在当时（19世纪中期），这幅画运用了相当现代的技法，作者用特别的黄色以及比较厚重的色调完全还原了田园的景象，比之当时流行的有关宗教、贵族题材的画作，这样的主题及手法都十分罕见。可以看到，这幅画中的女人的脸是无法看清的，我们唯一能够感觉到的就是她们的劳累，实际上她们正在捡拾的是别人收割之后所剩下的些许麦穗，这也就意味着这些女子的社会地位甚至连普通农民也不及。现在看到这幅作品，我们仍能真切地感受到这些劳动人民的真实生活。

　　其实表现底层农民的主题，《拾穗者》并不是首创，但它的意义在于从未有人用如此精湛的技巧来描绘农民现状，正因如此，才能在展出的时候让更多人了解到社会底层的苦难。

　　问：作品问世之初，其实也曾遭到过质疑，甚至有人认为这样灰暗的画面感实在是相当失败，是什么成就了它现在的地位?

　　答：之所以现在人们会这么喜爱这幅作品，是因为用绘画来展现现实一直是艺术恒久的主题。另外，虽然画作创作于19世纪，但直到现在，在世界很多地方仍然存在着这样的农民。农民与城市之间的关系依旧是个不变的话题，因此对现今仍有很大的现实意义。

　　上海市美术家协会主席施大畏先生也就《拾穗者》，谈了谈他的想法。他认为，作为米勒的代表作，《拾穗者》是艺术家更多地关注人的生活、人与社会的关系的表现，所以米勒的这幅作品成为了19世纪的一座里程碑，标志着创作者一改学院派待在画室里的创作状态，并走进生活，观察生活。这种创作理念的大转变，使其具有了划时代的意义。作为一般观众，在看这幅作品时不一定去理解作品的色彩，倒是可以看看当时法国社会的状态，并去思考它的社会价值、历史价值，感受一下当时的人文精神。在现在多元文化格局下，这次的展览同时也提供了一个契机，让现在的艺术家们也思考一下这个简单的问题——人与生活、人与社会，以及人与人的关系。